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Como diferentes materiais afetam seu processo de desenho

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Seus materiais de desenho podem determinar o sucesso geral de sua arte finalizada. E alguns são melhores que outros quando se trata de alcançar certos efeitos.

Se você deseja desenhos mais bem-sucedidos, é essencial conhecer os prós e os contras dos vários materiais disponíveis. Abaixo, o artista Dan Gheno compartilha sua visão especializada sobre os meandros de alguns dos materiais de desenho mais comuns. Aproveitar!

Materiais de desenho, explicados

Não há substituto para habilidade e experiência. Uma caneta de pena não desenhou a de MichaelangeloEstudo de um nu masculino. A caneta e a tinta idênticas nas mãos de um novato não produziriam uma obra-prima semelhante. Mas também é verdade que Michelangelo usasse uma caneta esferográfica ou um lápis número 2, o desenho não possuiria a mesma profundidade de valor ou volume.

A escolha de materiais é uma parte vital de como um artista aborda seu trabalho e é essencial escolher os instrumentos de desenho, superfícies e outras ferramentas corretas para atender às necessidades de sua visão artística.

Se há uma coisa que aprendi ao longo dos anos, é que você não deve tentar fazer um material fazer algo que não pode. Assim como você não pode forçar um gato a latir ou um cachorro a miar, é impossível forçar seus materiais a fazer algo contra sua natureza essencial.

Por exemplo, grafite, giz sanguíneo e lápis colorido produzem menos contraste que carvão ou tinta compactada. Se você está interessado em contrastes profundos e divergentes, deseja carvão em vez de grafite. No entanto, quando o objetivo é uma forma mais delicada de renderização, o carvão pode funcionar; mas eu pessoalmente prefiro grafite ou lápis colorido, que acho mais adequados a esse objetivo.

Agora, vamos dar uma olhada nas vantagens e armadilhas dos materiais de desenho que pessoalmente conheci ao longo das minhas décadas como artista. Examinaremos os prós e os contras da mídia, incluindo grafite, lápis colorido, carvão e tinta, além de superfícies e outras ferramentas. Discutiremos quando usá-los, quando evitá-los e o que você pode esperar (ou não esperar) de cada mídia.

Grafite

Se você descontar o mural que desenhei com lápis de cera Crayola aos quatro anos de idade, ao lado do sedã Chevrolet de minha irmã mais velha, em 1951, minhas primeiras experiências em desenho foram renderizadas com um lápis n ° 2 amarelo, uma primeira experiência comum.

Devido a essa familiaridade inicial, os lápis de grafite continuam sendo a escolha mais confortável e segura para muitos artistas até que eles comecem a ter aulas de arte. Professores bem-intencionados às vezes tentam convencer seus alunos a abandonar o hábito da grafite, forçando-os a usar carvão.

No entanto, geralmente incentivo os alunos novatos a trabalhar primeiro com o que lhes é familiar. Ao tentar entender questões desafiadoras como proporções humanas e formas de valor, não ajuda a enfrentar os problemas técnicos de um novo meio também.

Conhecida principalmente como um meio linear, a grafite é mais flexível do que muitos artistas e professores atribuem. Você pode obter alguns efeitos muito fluidos e pictóricos com ele - por exemplo, aplicando grafite em pó ao papel com um pincel ou camurça. Grafite também vem em varas de várias formas, tamanhos e dureza. Isso permite uma variedade de massas delicadamente misturadas ou traços amplos e assertivamente expressivos.

A principal desvantagem da grafite é sua incapacidade de atingir a intensidade da escuridão que você pode obter com carvão ou tinta compactada. Você pode ficar tão escuro com a grafite antes que o material se torne um brilho reflexivo que realmente pareça mais claro em vez de mais escuro. De fato, quanto mais você tenta esfregar e triturar grafite em uma área do papel, mais você a transforma em uma massa densa e brilhante, cancelando qualquer sensação de

De fato, quanto mais você tenta esfregar e triturar grafite em uma área do papel, mais a transforma em uma massa densa e brilhante. E isso cancela qualquer senso de valor realista e atmosfera que você alcançou em outro lugar no desenho.

Geralmente, não uso mais grafite, mas quando o faço é geralmente para renderização precisa ou para analisar formas complexas ou formas anatômicas no corpo que acho confusas. De fato, quando a grafite foi desenvolvida pela primeira vez como meio artístico pelos ingleses em meados do século XV, foi promovida como uma alternativa mais fácil, mais prática e mais fluida ao metalpoint para desenhos analíticos detalhados. A grafite não arrasta no papel como

A grafite não arrasta no papel como o metalpoint. Com a grafite, os artistas podem aplicar massas de valor de maneira mais natural e fluida. Mas uma coisa que falta na grafite é a profundidade de linha variada da metalpoint, que parece pulsar de maneira tridimensional.


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Lápis de cor

Para mim, o lápis colorido parece combinar os pontos fortes do grafite e do metalpoint. Algumas marcas de lápis de cor conferem uma delicadeza e profundidade de linha semelhantes às do metalpoint. E embora os lápis de cor não sejam tão apagáveis ​​quanto a grafite, marcas como Stabilo Original e Caran d'Ache têm muito do potencial de grafite para revisão e facilidade de aplicação sensível.

Lápis de cor são particularmente adequados para trabalhos de linha exigentes. Muitas marcas deste meio podem ser afiadas para identificar a precisão usando uma lâmina de barbear.

Eu uso uma cor sanguínea de valor médio para a maioria dos meus desenhos a lápis coloridos, principalmente quando faço desenhos em papel branco. Permite um toque delicado, mas, ao pressionar com mais força, consigo uma linha mais escura e mais assertiva. Costumo usar uma cor sépia mais escura ao trabalhar em papel tonificado.

Lápis de cor compartilham a gama limitada de contraste de valor da grafite. Mas acho que isso pode funcionar a meu favor, forçando-me a analisar os padrões de luz e escuridão do modelo à medida que os renderizo.

Geralmente, prefiro construir meus valores gradualmente, sombreando grandes formas de sombra com sucessivas variações de tom, até alcançar a escuridão desejada. Trabalhar em camadas sucessivas pode permitir manter melhor a trama do papel e ajudar a transmitir uma sensação de atmosfera.

Este meio pode exigir um toque suave. Os lápis de cor geralmente são frágeis e propensos a estalar no meio do curso, se você pressionar demais, deixando uma marca de derrapagem no papel.

Se você tentar empurrar seus valores muito escuros ao mesmo tempo, eles se tornarão densos e brilhantes. Com certas cores, o matiz pode até mudar com muita pressão ou quando você deixa a ponta do lápis muito curta, permitindo que o revestimento de madeira atrapalhe seu trabalho de linha.

Giz e carvão

Independentemente de você usá-los em lápis, palito ou pó, o giz preto puro e o carvão oferecem os maiores contrastes de valor. Costumo gostar de trabalhar com eles de maneira solta, começando com uma ampla massa de valor relacionada à grande forma de sombra gestual encontrada no modelo.

Alguns artistas preferem carvão em pó para esta etapa inicial. Mas freqüentemente começo meus esboços de maneira fraca e linear com carvão vegetal de videira, porque é tão facilmente apagado ou ajustado. Em seguida, sigo com um lápis ou bastão de carvão comprimido mais permanente, que geralmente funciona como selante, mantendo a videira mais efêmera e facilmente manchada contra o papel.

Lápis de carvão vêm em vários graus de dureza, como grafite. Carvão mais suave é geralmente bom para acumular massas em desenhos grandes e expressivos; enquanto lápis de carvão ou carvão comprimido mais duro, como H e HB, são mais adequados para alinhar o trabalho em menor escala.

Lápis de carvão duros, que são fáceis de afiar em pontos longos e afiados, podem ser usados ​​para renderizar rapidamente linhas grossas e finas, variando a posição da sua mão. E você pode aumentar as massas de valor sombrio com uma rápida tecelagem de traços.

Também são possíveis tons amplos e sem linha. Segurando o lápis para o lado, você pode deslizar a parte longa do eixo do carvão vegetal pela página, aumentando gradualmente o tom em uma ampla massa de valor, da mesma forma que faria ao usar um lápis colorido.

Você pode notar que o carvão vegetal da videira tende a ser um pouco mais quente que o carvão comprimido. Ao usar os dois, muitas vezes preciso voltar ao desenho, varrendo minhas massas de valor com uma ou outra para harmonizar entre frio e quente.

Pelas mesmas razões, não é uma boa ideia misturar lápis ou giz branco com carvão preto (ou grafite), a menos que você o faça sistematicamente ao longo do desenho. Caso contrário, os resultados misturados parecerão turvos ou simplesmente caóticos, especialmente em papel tonificado.

Dica profissional: Ao trabalhar com carvão comprimido ou grafite, mantenha uma gama limitada de dureza do lápis para manter a uniformidade e a harmonia da textura na tonalidade. Saltar entre graus divergentes - por exemplo, de um HB para um 6B muito mais suave - pode resultar em uma cacofonia perturbadora de texturas ásperas e suaves.

GIS de cera

Talvez tenha sido o sentimento de vergonha que senti ao puxar o carro da minha irmã - e o condicionamento adverso resultante das horas de graxa no cotovelo que passei esfregando meus rabiscos. Mas demorou muito tempo para renovar meu interesse em instrumentos de desenho à base de graxa ou óleo.

Quando fiz isso, usando uma variedade de marcas, da Cretacolor à Pitt da Faber-Castell, descobri que o meio oferece um compromisso útil entre a escuridão possível com giz e pastel mais suaves e a suavidade de lápis e grafite coloridos. Ao desenhar com giz de cera, geralmente uso uma cor sanguínea.

Eu recomendo não combinar diferentes marcas de giz de cera em um desenho. As matizes diferem bastante entre os fabricantes, mesmo que tenham o mesmo nome.

Tinta e esferográfica

Ao longo dos anos, trabalhei com uma variedade de ferramentas de tinta, incluindo pincéis, canetas de mergulho, canetas-tinteiro, canetas esferográficas e canetas Rapidograph.

Durante a década de 1970, quando fiz desenhos como Mulher sentada, olhando para longe, minha maneira favorita de trabalhar era usar uma caneta-tinteiro para renderizar as linhas e um marcador de pincel de feltro para lavar as massas de grande valor.

Normalmente, mergulhei minha caneta "tinteiro" em um frasco de tinta para poder usar uma tinta escura e pesada que, de outra forma, entupiria a caneta. Usei um ponto em itálico mantido de lado, que oferecia uma linha fina delicada e fornecia variação grossa e fina. Da mesma forma, usei uma pedra de afiar para afiar e remodelar os pontos da caneta para obter linhas finas extras.

Os pincéis de feltro à base de água, como o que eu costumava colocar em massa neste desenho, se desgastam rapidamente. Em vez de jogá-los fora, abro os topos e os encho com tinta diluída para rejuvenescer seus poços. Geralmente, prefiro o efeito mais aguado desses pincéis recarregados aos resultados obtidos com um novo.

Embora eu ainda trabalhe nessa técnica de vez em quando, hoje, quando trabalho com tinta, costumo usar canetas esferográficas, na maioria das vezes para exercícios de coordenação olho-mão. Como a tinta é irrevogável, é uma ótima ferramenta de treinamento. Isso reforça o hábito de pensar antes de colocar uma linha.

Fui atraído pela caneta esferográfica pela sua capacidade de replicar linhas finas, semelhantes a gravuras. Ao longo dos anos, no entanto, os padrões de fabricação diminuíram, e agora muitas marcas de esferográficas lançam gotas inesperadas de tinta - geralmente no pior momento possível.

Eu recomendo experimentar para encontrar as melhores e mais consistentes marcas (sou fã da caneta fina Pilot EasyTouch 0,7 mm e de suas refil catridges, que podem ser usadas por conta própria). Em todos os casos, você precisará adquirir o hábito de limpar regularmente os detritos de papel acumulados ao redor do ponto da caneta. Isso pode produzir manchas após apenas alguns minutos de trabalho.

Acho útil localizar os pontos inicial e final dos objetos que estou desenhando com tinta. Por exemplo, ao desenhar uma mão no quadril, posso colocar pontos no ombro, cotovelo e quadril, e depois desenhar entre esses pontos.

Se você não colocar pontos de substituição para todos os principais pontos de partida e de chegada - ou pelo menos tentar imaginá-los - é fácil subestimar qualquer escorço e desenhar uma linha muito longa. E com tinta, é claro, não há como apagar seus erros.

Meios de mistura

Não há necessidade de limitar-se a um meio. Não tenha medo de misturar mídia não relacionada, combinar lápis de cores diferentes ou explorar abordagens não-ortodoxas. Por exemplo, às vezes gosto de combinar grafite e lápis colorido com tinta, começando livremente com lápis e terminando com tinta.

Ao experimentar a combinação de mídia, você aprenderá a trabalhar dentro de algumas limitações importantes. Pode ser difícil, por exemplo, aplicar um meio giz em cima de um meio mais liso, como grafite ou lápis colorido. Você também descobrirá que não pode espirrar lavagens pesadas em papel fino.

De fato, convém considerar superfícies mais resistentes, como lona, ​​papel lixado ou pano pastel, para muitas abordagens de mídia mista. Eles proporcionam tração maravilhosa, agarrando tanto a mídia seca quanto a úmida e permitindo combinações como carvão e tinta - como vemos na publicação de Robin Smith Marmadu -isso não seria possível na maioria dos papéis.

Escolhendo o papel certo

Alguns artistas gostam de vasculhar pilhas de papéis incomuns e caros. Mas eu não sou um especialista em papel. Eu prefiro a superfície lisa de papel bond que eu desenhei desde criança.

O papel bond não é difícil de encontrar no tamanho carta, embora seja preciso um pouco de trabalho de detetive para encontrar o meu tamanho preferido de 18 x 24 polegadas. Diferentes fabricantes vendem papéis bond de grande formato, isentos de ácido e de arquivo, mas variam muito em peso de dente e papel. Experimente marcas diferentes até encontrar uma que seja adequada para você.

Entre os que eu uso, estão Borden e Riley No. 39, um papel bond de layout de 16 lb que se aproxima da superfície lisa e branca brilhante do papel para fotocópia; e papel Canson Sketch de 50 lb, que possui uma superfície um pouco mais quente e mais escura. Também é um pouco mais áspero, o que às vezes prefiro pela maneira como agarra meu lápis, produzindo linhas mais escuras e massas de valor.

As superfícies de união lisa nem sempre são propícias ao carvão de videira ou à mídia à base de pastel. Acredite ou não, o papel de jornal é perfeito para isso. Agarra-se aos materiais, dando um efeito suave e deslizante à massa de valor e ao trabalho de linha.

Infelizmente, o papel de jornal também é altamente ácido, tornando-o amarelo e decaindo rapidamente. Conheço muitos artistas que amam essa superfície efêmera, mas estão sempre em busca de um substituto de arquivo.

A melhor substituição que encontrei é o Arches Text Wove, que compartilha a maioria das mesmas propriedades. Também acho que papéis absorventes para impressão, como o Rives BFK, levam carvão e pastel de maneira semelhante. Tome cuidado para trabalhar suavemente em papéis para impressão, que não têm muito tamanho. Suas fibras são delicadas e começam a pílula ao apagar ou aplicar material com uma mão pesada.

Muitas boas opções estão disponíveis para artistas que desejam trabalhar em papel tonificado. Quando estou trabalhando em um terreno enfraquecido, gravito em direção a superfícies mais suaves, como a Série 400 de Strathmore Toned e Artagain, bem como Canson Mi-Teintes, preferindo a parte traseira sedosa e borrada deste papel sobre sua frente mais textural. Eles permitem renderizações delicadas e combinadas, bem como linhas de trabalho distintas.

Também gosto da superfície levemente texturizada do papel Strathmore 500 Series Charcoal Assorted Tints. Você pode criar um efeito limpo e cintilante neste papel se tomar cuidado para não pressionar demais e preencher seus vales de textura. Gosto de acariciar meus lápis escuros e brancos suavemente ao longo da superfície superior da textura do papel, permitindo que os tons resultantes vibrem contra a cor do papel.

Trabalhando com borrachas

Alguns professores banem as borrachas em um esforço para fazer com que os alunos olhem de perto e se comprometam antes de deixarem uma marca. Sim, uma borracha não substitui a falta de olhar atentamente para o modelo e pensar antes de colocar uma linha. Mas acredito firmemente que as borrachas são uma ferramenta importante quando não são usadas em excesso.

Subscrevo a visão do maior desenhista dos Estados Unidos, Thomas Eakins, de que o desenho é um processo de revisão. Você coloca algo e, em seguida, ajusta essa estimativa para obter maior precisão enquanto trabalha. Lembre-se de olhar atentamente para o modelo e desenhar levemente, para que você possa apagar mais facilmente mais tarde.

As borrachas nem todos são criados iguais. O melhor tipo de borracha pode variar dependendo da mídia e do papel que você está usando. As borrachas amassadas geralmente são eficazes para ajustar as formas de carvão de pequenas videiras. Borrachas de plástico, como as fabricadas pela Tombow e Staedtler, são mais eficientes no clareamento ou remoção de lápis de cor, carvão comprimido e lápis de carvão do papel liso.

Também existem borrachas de plástico longas e pontiagudas que se parecem com lapiseiras - como as fabricadas pela Tuff Stuff e Tombow - que eu achei indispensáveis ​​para limpar pequenos detalhes e afiar a borda de uma forma. Mesmo que você possa enrolar uma borracha amassada em uma ponta afiada, ela não fornecerá uma forma tão limpa. Em vez disso, essas borrachas suaves criam uma borda mais embaçada - o que pode ser útil quando você deseja esse efeito.

Infelizmente, as borrachas endurecem e se tornam inúteis à medida que envelhecem. Eles podem até manchar ou esfregar uma linha mais fundo no papel. Além disso, não é necessário reservar borrachas separadas para mídia preta e pigmentos coloridos. Além disso, limpe as borrachas com frequência para evitar que os pigmentos que produzem manchas se acumulem nelas e deixe manchas onde você deseja papel limpo.

Ao manter as borrachas novas e limpas, você descobrirá que são excelentes ferramentas de desenho, não apenas para remover marcas indesejadas, mas também para criar as desejadas. Costumo colocar um tom amplo de giz ou carvão em todo o desenho da figura e depois desenhar linhas de hachura leves na massa com uma borracha pontiaguda para criar um efeito modelado - da mesma forma que você pode usar um lápis branco em papel tonificado.

Às vezes, misturarei uma massa tonal com o lado plano de uma borracha de bloco. E, ocasionalmente, pressionarei com uma borracha amassada para diminuir a assertividade de uma linha. Outras vezes, afinarei uma linha cinzelando sua borda com uma borracha de plástico pontiagudo, tornando algumas das marcas mais delicadas e mais fracas do que outras para fins rítmicos. Costumo fazer isso para imitar os efeitos da forma e da luz, principalmente quando a linha limite de um volume está voltada para a fonte de luz, ou para indicar uma forma carnuda mais suave em comparação com uma linha mais distinta de um osso que se projeta.

Existem também muitas outras ferramentas a serem consideradas. Lâminas de barbear e lixa são úteis para afiar lápis. Muitos artistas gostam de usar camurça e tocos para misturar carvão, pastel e grafite para obter tons uniformes.

Prefiro usar os dedos para misturar massas pequenas e delicadas. E usarei um lenço de rosto (sem pomada) para obter uma massa mais ampla e uniforme. Ao usar os dedos, é importante mantê-los limpos e secos. Eu costumo limpar meu dedo em uma toalha de papel antes de cada uso. Caso contrário, os óleos da sua pele irão interferir no desenho.

Dica profissional:Acho que faz diferença a ordem em que você emprega várias borrachas ao usar mais de um tipo em um único desenho. Se eu tentar apagar uma linha profundamente inscrita com uma borracha amassada primeiro, a linha se tornará ainda mais resistente a tentativas subseqüentes de uma borracha de plástico. Evito usar borrachas de plástico pontiagudas menores em grandes áreas, pois elas podem incorporar o pigmento no papel; Encontrei borrachas de plástico maiores mais adequadas para essas tarefas.

Mudando as Coisas

É natural ter um material favorito, mas tente não ficar muito dependente de nenhum produto ou marca. Ele nunca falha: depois de se acostumar com um tipo de lápis ou papel, ele é descontinuado! Isso já aconteceu comigo muitas vezes, por exemplo, com meus lápis de carvão favoritos e giz sanguíneo.

Por experiência própria, sugiro que experimente várias marcas do seu meio de desenho favorito, para que você não fique parado quando um material muda ou fica indisponível. Também aconselho a segurar pontas de lápis. Se você for pego de surpresa por um cancelamento surpresa, poderá colocá-los em um extensor de lápis e obter um pouco mais de quilometragem deles.

Mesmo que eles não parem de fazer o seu utensílio de desenho favorito, você pode achar útil trocar de mídia de vez em quando. É possível cair em complacência ao usar os mesmos materiais por muito tempo. Mudar as coisas pode ajudar a manter seu senso de entusiasmo. Também pode ajudar a quebrar maus hábitos que podem estar se infiltrando em seu trabalho. Muitos artistas desenvolvem a memória muscular com base na tração e resistência que o mesmo lápis tem contra o mesmo papel.

Depois de usar continuamente os mesmos materiais, você pode achar que sua mão quer ir na mesma velocidade e ângulo, independentemente do assunto. Esses hábitos podem atrapalhar a visualização das formas específicas e das relações de tamanho do seu sujeito e podem até interferir no processo de desenho - por exemplo, exigindo uma linha pesada quando seus objetivos exigem delicadeza ou vice-versa.

Às vezes, a mudança de material pode ser algo tão mínimo quanto uma mudança de cor para iniciar suas percepções visuais. Se você achar que = o peso da sua linha é muito pesado para suas metas, pode mudar para uma cor mais clara - por exemplo, de um lápis preto pesado de carvão vegetal para um leve lápis sanguíneo. Você também pode tentar a tática oposta usando um material ainda mais escuro para treinar sua mão a recuar e usar um toque mais leve.

Não há dúvida de que a escolha de materiais de um artista afetará a aparência superficial de um desenho. E os materiais de desenho mencionados aqui são apenas alguns dos que achei úteis para minha visão em particular.

No final, é o artista que faz o desenho, não os materiais. Considere as várias versões de Hendrick Goltzius do Farnese Hercules. Qualquer que seja o material que ele estivesse usando, o intenso interesse de Goltzius pelo volume escultural torna as obras de arte atraentes, dando às imagens poder e importância artística duradoura.

Sobre o Artista

Dan Gheno é um artista de Nova York cujo trabalho pode ser encontrado em coleções, incluindo o Museu da Cidade de Nova York e o Museu de Arte Americana da Nova Grã-Bretanha, em Connecticut. Ele ensina desenho e pintura na Liga de Estudantes de Arte de Nova York e na Escola Nacional de Belas Artes da Academia. E você pode encontrar o livro perspicaz dele,Desenho de classe Master Class, em NorthLightShop.com.

* Este artigo de Dan Gheno apareceu pela primeira vez em Revista de desenhoEdição de inverno de 2017.


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Comentários:

  1. Tygoramar

    Não me dê o minuto?

  2. Tale

    Você não está certo. Estou garantido. Eu posso provar. Escreva para mim em PM.

  3. Vareck

    Artigo muito profundo e positivo, obrigado. Agora vou olhar para o seu blog com mais frequência.

  4. Breanainn

    A mensagem autoritativa :)

  5. Meztigis

    E onde em você lógica?

  6. Edern

    Super artigo! Inscrito no RSS, seguirei =)

  7. Dia

    Muito Obrigado! Ainda há uma razão para se divertir... Com sua permissão, eu aceito.



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